Historia del drag y del ballroom: de los bailes de Harlem al voguing, las casas y los escenarios de hoy

El drag es el arte de interpretar el género de forma grande, juguetona o exagerada, casi siempre sobre un escenario. El ballroom es una cultura de competición creada sobre todo por personas LGBTQ+ negras y latinas en Nueva York, donde las “casas” compiten en eventos llamados bailes desfilando en categorías, bailando y luciendo looks. Los dos están emparentados y comparten mucha historia, pero no son lo mismo. El drag puede ocurrir en cualquier sitio con un escenario. El ballroom es una comunidad con sus propias reglas, familias y lenguaje.

Esta guía cuenta la historia en orden: las viejas tradiciones del teatro, los primeros bailes drag, el sistema de casas, el voguing, los años duros del sida y el momento en que el drag y el ballroom llegaron al gran público. Al final encontrarás consejos para disfrutar del drag y del ballroom con respeto.

Palabras rápidas antes de empezar

Palabra	Qué significa
Drag queen	Artista, a menudo un hombre, que crea un personaje femenino exuberante
Drag king	Artista, a menudo una mujer, que crea un personaje masculino
Baile (ball)	Evento de competición donde se desfila en categorías por trofeos y premios
Casa (house)	Familia elegida dentro del ballroom, liderada por una “madre” y a veces un “padre”
Categoría	Tema en el que se compite, como pasarela, rostro o realness
Walk	Competir en una categoría
Vogue	Estilo de baile nacido en el ballroom, hecho de poses de modelo y líneas precisas
Reading y shade	Pullas ingeniosas y afiladas, un arte antiguo del ballroom

El drag es una actuación, no una identidad. Las personas que hacen drag pueden ser gais, heterosexuales, bisexuales, trans, no binarias o cualquier otra cosa. Ser drag queen no es lo mismo que ser una mujer trans, aunque algunas mujeres trans hacen drag. Nuestra guía sobre qué significa ser transgénero explica la diferencia.

Antes de la palabra “drag”: el género sobre el escenario

Durante siglos, muchos teatros no permitían a las mujeres actuar, así que hombres y chicos hacían los papeles femeninos.

En la Inglaterra de Shakespeare, actores adolescentes interpretaban a Julieta, a Lady Macbeth y a todos los demás personajes femeninos.
En el kabuki japonés, se prohibió actuar a las mujeres en el siglo XVII, y actores varones llamados onnagata se convirtieron en maestros de los papeles femeninos. La tradición sigue viva.
En la ópera china, intérpretes varones en papeles femeninos llegaron a ser grandes estrellas.

Eso no era drag en el sentido moderno, porque formaba parte de las reglas normales del teatro. Pero muestra que jugar con el género sobre el escenario es muy antiguo.

A finales del siglo XIX y principios del XX, el music hall y el vodevil convirtieron el juego con el género en un número popular. Imitadores de mujeres como Julian Eltinge fueron grandes estrellas en Estados Unidos, e imitadoras de hombres como Vesta Tilley llenaban teatros británicos. Estos artistas solían cuidar mucho su imagen respetable en público, porque la misma sociedad que compraba entradas castigaba a las personas queer fuera del escenario.

Nadie sabe con certeza de dónde viene la palabra “drag”. Una historia popular dice que viene de la jerga teatral sobre las faldas largas que se arrastraban (“drag”) por el suelo. Otra pista apunta a “grand rag”, un término antiguo para los bailes de máscaras.

William Dorsey Swann: la primera “reina del drag” conocida

En la década de 1880, en Washington, un hombre que había sido esclavizado, William Dorsey Swann, organizaba fiestas secretas en las que hombres vestidos de gala bailaban. Llamaba a esas fiestas “drags” y se llamaba a sí mismo su reina. El historiador Channing Gerard Joseph descubrió que Swann es la primera persona registrada que se llamó reina del drag.

La policía hizo redadas en las fiestas de Swann más de una vez. En 1888 se resistió al arresto, uno de los primeros actos conocidos de resistencia de una persona queer contra la policía en Estados Unidos. Más tarde, tras una condena, pidió el indulto al presidente y se lo negaron. Su historia estuvo casi olvidada durante cien años.

Los bailes de Harlem

En Nueva York, el baile de la Hamilton Lodge, en Harlem, suele considerarse el primer baile drag documentado del país. Empezó en 1869 como un baile de máscaras organizado por una logia fraternal negra. En las décadas de 1920 y 1930, durante el Renacimiento de Harlem, estos bailes atraían a miles de invitados y espectadores. Hombres con vestido y mujeres con traje desfilaban ante un jurado, y los periódicos escribían sobre ellos con una mezcla de escándalo y fascinación.

Aquellos bailes eran de los pocos lugares donde las personas queer podían reunirse en gran número. También eran peligrosos. La policía usaba a menudo leyes contra los disfraces en la vía pública para detener a personas vestidas de drag de camino a casa.

Racismo, Crystal LaBeija y el nacimiento de las casas

En los años sesenta, los concursos de drag eran habituales, pero muchos los organizaban personas blancas y se juzgaban a favor de las queens blancas. Las queens negras y latinas tenían que aclararse el maquillaje para tener alguna oportunidad.

En 1967, una queen negra llamada Crystal LaBeija compitió en un concurso nacional de drag en Nueva York y perdió frente a una concursante blanca. Abandonó el escenario y denunció con rabia la injusticia del jurado. El momento quedó registrado en el documental The Queen, de 1968, y se convirtió en un punto de inflexión.

A principios de los setenta, hacia 1972, Crystal LaBeija y Lottie LaBeija crearon la House of LaBeija, considerada normalmente la primera casa del ballroom. Llegaron otras, con nombres como Xtravaganza, Ninja, Corey, Dupree, Pendavis y muchas más.

Una casa es más que un equipo. Muchos jóvenes LGBTQ+ negros y latinos habían sido rechazados por su familia o expulsados de su hogar. La casa les daba una madre, hermanos, consejos, comida, a veces un sitio donde dormir y un motivo para soñar a lo grande. El ballroom es uno de los ejemplos más potentes de lo que nuestra guía sobre la familia elegida describe.

Cómo funciona un baile

Un baile es a la vez un espectáculo y una competición.

Las categorías se anuncian con antelación. Algunas son de moda, como pasarela o marcas. Otras de belleza, como rostro. Otras de realness, donde el objetivo es resultar tan convincente en un papel, como ejecutivo o estudiante, que podrías pasar desapercibido fuera del ballroom sin que te acosaran.
El comentarista, un presentador con micrófono, canta sobre la música, anima al público y hace avanzar la noche.
El jurado se sienta en una mesa. Si le encanta alguien, grita “diez en todas las notas”. Si algo falla, le da un “chop” y queda eliminado.
Quienes ganan se llevan trofeos, premios y, sobre todo, prestigio para su casa.

El realness tenía una lógica dolorosa. Para muchas mujeres trans y hombres gais racializados, pasar desapercibidos en la calle podía significar seguridad. El ballroom convirtió esa habilidad de supervivencia en arte y en trofeo.

Voguing

El voguing es el baile que casi todo el mundo asocia con el ballroom. Creció en los bailes de Harlem a partir de los años setenta, inspirado en las poses de las modelos de revistas de moda como Vogue. Willi Ninja, a menudo llamado el abuelo del vogue, hizo famoso el estilo y lo enseñó mucho más allá del ballroom.

Hay tres estilos principales:

Old way: líneas rectas, ángulos y poses simétricas.
New way: movimientos más cerrados, flexibilidad, control de brazos y “clicks”.
Vogue femme: fluido, dramático y muy femenino, descrito a menudo con cinco elementos: manos, catwalk, duckwalk, giros y caídas (spins and dips) y trabajo de suelo.

Stonewall, sida y supervivencia

Drag queens y mujeres trans racializadas estuvieron entre las personas en el centro de la revuelta de Stonewall de 1969, el hecho que el Orgullo recuerda cada año. Nuestra guía sobre por qué existe el Orgullo cuenta esa historia.

En los años ochenta y noventa, el sida golpeó al ballroom con mucha dureza. Muchas leyendas, madres e hijos murieron jóvenes, entre ellos Willi Ninja en 2006 y varias personas que aparecieron en películas famosas sobre el ballroom. Las casas enterraban a los suyos y seguían celebrando bailes. Hacia 1990, una organización de salud de Nueva York creó la House of Latex para llevar la prevención del VIH directamente al ballroom, y desde entonces el ballroom sigue unido a la concienciación sobre el VIH.

Cuando el mundo empezó a mirar

1990: la canción “Vogue” de Madonna llevó el baile a la radio y la televisión de todo el mundo. Muchos bailarines del ballroom sintieron que el mérito no volvió a la comunidad que lo creó.
1990: el documental Paris Is Burning, dirigido por Jennie Livingston, mostró la escena de los bailes de Nueva York de los años ochenta. En 2016 la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos lo incluyó en el Registro Nacional de Cine. La película es muy querida, pero también se debate quién se benefició de ella, ya que muchas de las personas que aparecen siguieron siendo pobres.
2009: empezó RuPaul’s Drag Race, que convirtió el drag en un género televisivo mundial.
De 2018 a 2021: la serie Pose contó historias del ballroom de los ochenta y noventa, con el mayor reparto de actrices y actores trans en papeles fijos de la historia de la televisión hasta ese momento.

Hoy hay escenas de ballroom en muchos países de Europa, Asia y América Latina, incluida España, y una escena juvenil llamada kiki ofrece a la gente más joven una forma de competir con menos presión. Nuestra guía de cine queer propone más películas.

Palabras que el mundo tomó prestadas

Muchas palabras que hoy se usan en la jerga cotidiana vienen de espacios queer negros y latinos y del ballroom, como “shade”, “reading”, “serving”, “realness”, “slay” o “yas”. No está mal usarlas, pero ayuda saber de dónde vienen y reconocerlo. Cuando las palabras de una cultura se ponen de moda mientras su gente sigue siendo pobre o vive con miedo, merece la pena fijarse.

El drag hoy

Hoy el drag está en bares, teatros, festivales, televisión, videoclips y eventos familiares. Drag kings, artistas no binarios y muchos estilos que juegan con monstruos, fantasía o comedia forman parte de la escena.

El drag también se ha convertido en blanco. En los últimos años, algunos políticos de distintos países han intentado limitar los espectáculos drag, lo que ha provocado protestas y juicios. Artistas y público defienden que el drag es una forma de arte y de libertad de expresión con una historia muy larga.

Cómo disfrutar del drag y del ballroom con respeto

Da propina a las artistas. Muchas drags ganan buena parte de sus ingresos con las propinas.
No toques a las artistas, sus pelucas ni su ropa sin permiso claro.
En un baile eres invitado. Sigue las normas del evento, anima con ganas y no te metas en la pasarela.
Pregunta antes de grabar si no sabes si el evento lo permite.
Reconoce los orígenes. Cuando compartas vogue o jerga del ballroom, recuerda a las personas LGBTQ+ negras y latinas que lo crearon.
Apoya las escenas locales, no solo a las estrellas de la tele.

La versión corta

El drag es el arte de interpretar el género; el ballroom es una cultura de competición con casas, categorías y lenguaje propio.
Jugar con el género sobre el escenario viene de hace siglos, de los actores adolescentes de Shakespeare al kabuki.
William Dorsey Swann organizaba “drags” en la década de 1880 y se llamaba su reina.
El baile de la Hamilton Lodge empezó en Harlem en 1869 y se hizo enorme en los años veinte.
Crystal y Lottie LaBeija crearon la primera casa hacia 1972, tras el racismo en los concursos de drag.
El voguing creció en los bailes de Harlem y llegó al mundo en 1990.
El ballroom sobrevivió al sida y sigue siendo un modelo de familia elegida.

El drag y el ballroom son alegría, pero los construyeron personas que tuvieron que luchar para existir. Conocer la historia hace que cada actuación signifique más. Para más símbolos de la historia queer, mira nuestra guía de símbolos LGBTQ+.